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2019

Ex-Centro

Centro  
Concêntrico  
Concentro  
Com Centro  
Sem Centro  
Excêntrico  
Ex-Centro.  
Um objecto com um centro  
Ou um ex-centro  
Destabilizado.  
Uma calma concêntrica  
Ou uma energia excêntrica?  

Notas sobre Estudos e Interlúdios para 6 percussionistas
A questão do ritmo pode ser formulada entre duas visões complementares: o ritmo como pulsação ou como duração. A associação excessiva entre a pulsação regular e o sistema tonal resultou históricamente numa predominância parcial da atitude favorável à anti-pulsação regular. As últimas décadas tem vindo a transformar, senão a inverter, esta posição. Parti para esta peça com a ideia de alternar Estudos sobre pulsação regular - mais lenta ou mais rápida, com subdivisões internas variáveis e modulações métricas - para usar o termo de Elliott Carter- e Interlúdios onde, face à própria natureza dos timbres utilizados- gongs e tam-tams- a expansão das figuras, mesmo que regulares, produzissem um contraste radical. A instrumentação dos Estudos priveligia instrumentos de percussão da família das marimbas e vibrafones. Cada um dos Estudos tem um problema específico ao mesmo tempo técnico e composicional, na instrutiva tradição que vai de Chopin e Debussy até ao Ligeti recente. Esta obra é constituída por 3 Estudos e 3 Interlúdios.. Foi composta na dupla perspectiva de permitir a execução de cada Estudo separadamente, dos 3 Interlúdios como peça autónoma, além da sua execução no todo na ordem da partitura: Estudo Coral/ Fractal; Interlúdio I; Estudo Cromático a) b); Interlúdio III; Estudo de Pulsação e Métrica; Interlúdio II e Estudo Coral Final. Este estudo só deve ser tocado na execução integral.


António Pinho Vargas 2000

[Neste concerto foram apresentados apenas os andamentos "Estudo Coral" e "Estudo Cromático".]

Partitura disponivel em:
https://www.editions-ava.com/pt/estudos-e-interl%C3%BAdios

Evento/Concerto/Projecto Semana da Composição 2018
Instrumento(s)

Philippina é uma dedicatória ao corpo vivo. Ao seu movimento. À sua capacidade de nunca ficar estático por completo. Todos os gestos musicais presentes querem refletir uma imagem de dois bailarinos e a sua linguagem corporal, a sua luminosidade.

Philippina Bausch foi a minha companhia. O maestro Alberto Roque, o João e o Marco, a minha certeza. A eles dedico esta revolução em mim.

Esta peça faz parte de um estudo que tenho vindo a desenvolver sobre gesto musical, com o tema: “Gesto – a Música sobre um plano coreográfico”. O objecto artístico final terá dois bailarinos em palco, acompanhados pelos solistas e pela orquestra.

A obra Sopro do Côncavo foi composta no âmbito do III Concurso Nacional de Composição da Banda Sinfónica Portuguesa tendo sido posteriormente premiada e dirigida na sua estreia pelo Maestro Pedro Neves, na Sala Suggia da Casa da Música, no Porto, em Fevereiro de 2015. [em 2017 a obra foi revista pelo compositor.] De uma perspetiva muito abstrata e direcionada para a forma da peça, assistimos três momentos que refiro nestas breves notas pela importância que eles representaram para mim na estrutura poética da obra. Inicialmente o vazio que nos leva à profundidade seguida por uma panorâmica de tensão. Concretizado o nascimento da peça, ouvimos um sopro, ganhamos a coragem para proferir o verbo, somos vivos e enérgicos. No fim, contraímos o peito para dentro, pouco a pouco voltamos atrás no tempo e morremos sozinhos, como era princípio (…). Sopro do Côncavo é um olhar sobre a criação, sobre a existência que parte deste vazio despido de conforto. Uma busca eterna pela solidão que reflete o ascendente mais nobre que há em nós. Sopro é a coragem para existir e a vontade de exprimir a poesia. Côncavo é o espaço que fica por detrás da origem, é a profundidade e a nova dimensão.

Pedro Lima Soares

2017

Nadir

Esta obra nasceu duas vezes e morreu uma. Uma primeira versão foi iniciada no fim de 2016 que chegou aos 6 minutos até ser completamente amarrotada e deitada ao lixo. No início de 2017 comecei a escrever aquela que viria a ser a ‘verdadeira’ Nadir.

Foi esta morte que me impulsionou a escrever a obra da forma que ela existe agora – 6 minutos de música e meses do maior bloqueio criativo. Mote – usar as fraquezas como armas, usar o sofrimento como ferramenta.

Em Memória | Okiya Flor, livremente inspirada no livro Memórias de uma Gueixa de Arthur Golden, realiza-se uma síntese dramática e poética das memórias de uma rapariga japonesa de olhos claros – a Aprendiza –, que perdeu a família no incêndio da sua aldeia e que, sem que lhe fosse dada escolha, foi admitida numa casa de gueixas (Okiya), pela respetiva proprietária e gerente – a Mãe. Na Okiya, a mais experiente (também a mais rentável) e mais bonita gueixa de todas – a Gueixa – vê a sua posição ameaçada por essa rapariga, que, com os seus tão raros olhos de água, poderá facilmente substituí-la, também na preferência do melhor cliente (e homem mais poderoso da região) – o Senhor -, o que vem a suceder. Porém, enquanto a Gueixa ama um jovem – o Rapaz – que não tem meios para a emancipar, mas com quem se encontra sem permissão, a Aprendiza apaixona-se pelo Senhor, acabando igualmente por ser preterida. Ambas se apercebem, então, da sua condição e, verdadeiramente, do valor da vida e da morte.

Imaginem que a vossa avó se transformava numa aranha… Imaginem que a morte é algo belo e delicado… Imaginem uma orquídea no deserto… Imaginem um astronauta no duche… Imaginem que o mundo era dominado por insectos… Agora imaginem esta peça…!

Manuel Moreira

Evento/Concerto/Projecto Semana da Composição 2017

Num multiverso coexistem diferentes universos, tais como o nosso, que no decorrer de milhões de anos expandem-se e contraem-se até colapsarem numa singularidade. Tendo em conta que é possível atravessar de um universo para o outro por meio de buracos negros e buracos brancos, é fácil se perder na imensidão do espaço. E da mesma forma que eventualmente na nossa pesquisa encontraremos pelo meio algum cataclismo estelar como a explosão de uma supernova, também é fácil ficar sozinho no meio de um grande vazio.

O grande ensemble permite acompanhar musicalmente a viagem, com múltiplos eventos a decorrerem em simultâneo ou uma grande força cósmica a orquestrar um tutti muito coeso. A história de cada um dos universos é contada por meio dos episódios de expansão e contração musicais, tanto no aspecto rítmico como no de densidade da textura. O que parecem simples instrumentos a brincarem com motivos simples como se fossem um particular jogo do esconde-esconde estelar, ganham rapidamente força e aquecem até grandes temperaturas, para terminar por arrefecer pelo efeito da expansão.

A ideia subjacente a “Enigmatic Icon” é a alusão a imagens paradigmáticas cujos símbolos, pensamentos e sensibilidades diferenciam os diversos credos. Esses “Icones” variam conforme a religião, sendo sustentados por tradições, comportamentos, moralidades… que marcam as suas crenças, valores culturais e formas de observar o mundo. No desenvolvimento desta composição teve especial relevância um olhar pessoal sobre os traços, cores e técnicas dos “ícones” dos diferentes credos, dando origem a gestos, timbres e sensações que produzem uma imagem, criando progressivamente o discurso musical.

Hugo Vasco Reis

 

Imagem de Fundo
“Red Painting” 150x100cm oil on canvas, by Peter Gospodinov
www.petergos.com

 

Evento/Concerto/Projecto Semana da Composição 2016
2015

Double

«Double» (2015) é uma peça composta para dois percussionistas brilhantes, Miguel Ferreira e Tomás Moital, para os quatro percussionistas que os acompanham e muito especialmente para a Orquestra de Sopros da Escola Superior de Música de Lisboa, no ano do seu 10º aniversário. O seu nome deve-se à natureza compósita dos seus solistas, que contagia os percussionistas da orquestra e todos os seus elementos, num jogo de espelhos de resultados imprevisíveis.

Depois de um primeiro momento, em que, como resultado do seu contracenar, vemos aparecer uma alternância entre secções mais estáticas e secções mais dinâmicas, surge uma secção calmíssima, sugerindo, por fim, um momento de sã convivência. Este momento é, no entanto, bruscamente interrompido por uma coda, em que os dois solistas reavivam a orquestra.

Esta peça é dedicada ao maestro Alberto Roque, pela muita estima e admiração que o seu trabalho me merece.

João Madureira

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